Piedad de Miguel Ángel Buonarrotti (Sara Calzada, P)

DATACIÓN

Es una escultura de mármol blanco de 195 cm. de ancho por 174 cm. de alto. De tema religioso, es de la época del Renacimiento italiano (Quatroccento). Se encuentra ubicada en la Capilla del Crucifijo, primera Capilla a la derecha de la Basílica de San Pedro en Roma.

Fue un encargo del cardenal de la Basílica de Saint-Denis, Jean Bilhères de Lagraulas, embajador de Francia en la Santa Sede del Vaticano, el 27 de agosto de 1498. Se trataría de « una Piedad de mármol, hecha con una Virgen María vestida sosteniendo en sus brazos a su hijo Jesucristo muerto, a escala natural ». El autor tenía 24 años cuando realizó esta obra.

Tal y como era costumbre y gusto en el Renacimiento Italiano, Miguel Ángel Buonarroti talló la escultura de la Piedad de un sólo bloque de mármol, que eligió personalmente en las canteras de los Alpes Apuanos, en Carrara.

Otra de las curiosidades de la Piedad del Vaticano es que se trata de la única obra firmada por el artista. Pensaban que un hombre tan joven, no podía haber hecho una obra tan perfecta y se la atribuyeron a Gobbio, de Milán. Miguel Ángel, dolido, una noche se encerró con la obra y grabó su nombre.

Miguel Ángel Buonarrotti (1475-1564). Fue un escultor, pintor y arquitecto italiano. Se le reconoce como la gran figura del Renacimiento italiano. Su excepcional personalidad artística dominó el panorama creativo del siglo XV. La principal cualidad de sus obras es la “terribilitá”, que se refiere a aspectos como el vigor físico, la intensidad emocional y el entusiasmo creativo.

La vida de Miguel Ángel transcurrió entre Florencia y Roma, ciudades en las que dejó sus obras maestras. En 1496 se trasladó a Roma, donde realizó dos esculturas que lo proyectaron a la fama: el Baco y la Piedad de San Pedro. Esta última, su obra maestra de los años de juventud, es una escultura de gran belleza y de un acabado impecable que refleja su maestría técnica. Al cabo de cinco años regresó a Florencia, donde recibió diversos encargos, entre ellos el David, el joven desnudo de cuatro metros de altura que representa la belleza perfecta y sintetiza los valores del humanismo renacentista.

En 1505, el papa Julio II lo llamó a Roma para que esculpiera su tumba; Miguel Ángel trabajó en esta obra hasta 1545 y sólo terminó tres estatuas, el Moisés y dos Esclavos.

Julio II le pidió también que decorase el techo de la Capilla Sixtina, encargo que Miguel Ángel se resistió a aceptar, puesto que se consideraba ante todo un escultor, pero que se convirtió finalmente en su creación más sublime, por su belleza física y energía dinámica.

 1516 regresó a Florencia para ocuparse de la Biblioteca Laurenciana y la capilla Medicea o Sacristía Nueva, en la que destaca la escalera de acceso a la biblioteca y las figuras magistrales del Día, la Noche, la Aurora y el Crepúsculo.

En 1534, Miguel Ángel se estableció definitivamente en Roma, donde realizó el fresco del Juicio Final en la capilla Sixtina y supervisó las obras de la basílica de San Pedro, en la que modificó sustancialmente los planos y diseñó la cúpula, que es obra suya.

PERTINENCIA DE LA IMAGEN

El tema de la Piedad no era nuevo en el arte. Ya había sido tratado en el gótico, como expresión del dolor inmenso que siente María cuando recibe el cuerpo de su hijo muerto. El artista aporta al mismo el tratamiento como si fuera un gran mito.  Se trata de uno de los grandes temas para el escultor florentino, ya que a lo largo de su vida lo retoma en otras ocasiones. De hecho, su última obra, que quedó inconclusa fue la “Piedad Rondanini”.

La composición del grupo escultórico dibuja una estructura piramidal, equilibrada, expresando tranquilidad, como marcaban las premisas neoplatónicas. El triángulo viene marcado actuando de vértice la cabeza de María y de base la del grupo escultórico. En esta época, el triángulo y el círculo son las formas preferidas para representar la divinidad. Los cuerpos tienen un tratamiento diferente, ya que el de Jesús aparece con un cuidado estudio anatómico que no plasma el inmenso sufrimiento que soportó Jesús antes de morir, mientras que el de María aparece totalmente cubierto por los gruesos ropajes que dejan adivinar unas proporciones superiores a las que corresponderían a su rostro, valorando esas grandes anatomías tan del gusto del artista. El tratamiento del manto, cincelado con grandes cavidades, provoca contrastes de luz y sombra que realzan el valor plástico de la obra. Precisamente los rostros muestran una belleza idealizada en el sentido neoplatónico, ya que vemos que María es más joven que su hijo, lo cual no es sino un recurso para mostrarla “Eternamente Virgen”.

Técnicamente es perfecta en rostros anatomías, telas, … El acabado con abrasivos consigue dotar a las superficies de luz que, al resbalar resalta la belleza formal y material de la obra.

Para Miguel Ángel lo primordial en su obra es el reconocimiento de la grandeza del ser humano como humanista convencido que es, y, en ésta nos refleja unos sentimientos contenidos, con rostros muy hermosos, sin gestos que los descompongan. María aparece contenida, dejando que su profundo dolor quede dentro de ella, sin mostrarlo hacia fuera, es un dolor interno, como de aceptación del mismo. Esa es la idea que el artista quiere trasmitir, de ahí el tratamiento de mito.

La composición equilibrada, junto a las actitudes serenas de los personajes producen el efecto de armonía y sosiego.

JUSTIFICACION TEORICA

El Renacimiento se sitúa cronológicamente a mediados o finales del siglo XV, en coincidencia con la conquista turca de Constantinopla (1453); para esa época se produjeron otros dos hitos muy importantes: la invención de la imprenta por Gutenberg y el desarrollo de la teoría heliocéntrica de Copérnico. Estos fueron elementos propiciadores de una revolución científica y social de una magnitud impensable hasta entonces.

La cultura renacentista supuso el retorno al racionalismo, al estudio de la naturaleza, la investigación empírica, con especial influencia de la filosofía clásica grecorromana. La teología pasó a un segundo plano y el objeto de estudio del filósofo volvió a ser el hombre (humanismo). El latín dejó de ser la lengua universal para dar paso a las lenguas vernáculas. La estética renacentista resultaba algo contradictoria: la belleza oscilaba entre una concepción realista de imitación de la naturaleza y una visión ideal de perfección sobrenatural.

            En 1462 se fundó la Academia de Florencia, donde surgió una importante escuela de corte neoplatónico, se formuló una nueva teoría, la de la «contemplación»: en ésta se produce una escisión del cuerpo con el alma, ascendiendo ésta hacia el mundo de las ideas que describió Platón. Aquí el alma puede aprehender de forma inmediata la sensación de la belleza.

Dentro de este contexto general la obra elegida, pertenece a la escultura del Renacimiento italiano (finales del siglo XIV y principios del siglo XVI), cuando la escultura italiana expresó una reacción en contra de los principios de la estética gótica y la asimilación de la influencia del arte de la antigüedad clásica, el humanismo y el racionalismo, y desarrolló un estilo que fusiona elementos naturalistas e idealistas.

Florecieron los géneros de desnudo artístico y el retrato, que desde el final del Imperio Romano habían caído en el olvido. Se reanudaron también temas mitológicos, se estableció una rigurosa disciplina de trabajo práctico como una herramienta esencial para la creación de una obra de arte calificado.

La escultura del Renacimiento italiano fue dominada por la influencia de la escuela de Florencia, que era entonces una referencia para todo el continente europeo. La fase final se llevó a cabo por Roma en una época dedicada a un proyecto de afirmación de la universalidad de la autoridad del papado como el heredero de San Pedro como del Imperio Romano.

  1527, cuando después de una serie de invasiones de Italia por españoles, franceses y alemanes, la ciudad de Roma fue brutalmente saqueada por las tropas del Sacro Imperio Romano. Se instauró un cambio de equilibrio político en Europa con la Reforma protestante.