ALEGORÍA DE LA PRIMAVERA (Alfonsa Rodrigo, P)

LA PRIMAVERA, BOTTICELLI

1.DATACIÓN

   La obra pertenece a  pintor renacentista Italiano Sandro Botticelli que fue un pintor del Quattrocento italiano. La reputación póstuma del artista disminuyó notablemente en los siglos siguientes, pero fue recuperada a finales del siglo XIX; desde entonces, su obra se ha considerado exponente máximo de la gracia lineal de la pintura del primer Renacimiento. El nacimiento de Venus y La primavera son, actualmente, dos de las obras maestras florentinas más conocidas.Tiene inspiración clásica. Pero los personajes presentan la reinterpretación propia del pensamiento renacentista.

Está realizado al temple de huevo sobre tabla. Mide 203 cm de alto y 314 cm de ancho y fue realizada entre 1480 y 1481.

Actualmente se encuentra en la galería Offizi Florencia. Llama la atención su enorme formato, la pintura profana casi nunca utilizó estas dimensiones, que se reservaban para la expresión de los temas sacros.

Según la simbología del cuadro y una serie de documentos se acredita que el cuadro estaba destinado a la familia Médicis, y que este se realizó para el matrimonio, en 1482, entre Lorenzo Pierfrancesco y Semiramide Apiani. Semiramide  era hija de Jacobo III d’Appiano, propietario de las minas de Elba.

2.DESCRIPCIÓN

   La obra representa perfectamente el renacimiento Italiano cumpliendo todas sus características a continuación detalladas.Podemos ver una gran evocación de lo antiguo, cuya belleza idealizada pretendían tomar como ejemplo. Observación viva de la naturaleza. Ya que este cuadro en concreto  se sitúa en paisajes naturales que se intentan recrear con fidelidad. La figura humana se convierte en centro y medida de todas las cosas si te fijas, las figuras humanas tienen mucha mas claridad que el fondo que es muy oscuro, para que cobre importancia la figura humana frente al fondo. También hay un gran dominio de la perspectiva, y de las técnicas compositivas. Si en la Edad Media la pintura fue de manera casi exclusiva religiosa, en el Renacimiento se introducen nuevos temas, como los mitológicos, alegorías y temas históricos. Aparece el desnudo, no por sí mismo sino en el marco de una pintura de naturaleza por ejemplo mitológica.

   Respecto a lo observable en el cuadro podemos ver un bosque de naranjos y laureles, sobre una verde alfombra de césped y flores. Centrando la composición, aparece la diosa del amor: Venus. Los naranjos forman un arco al rededor que destacan la importancia de la diosa, pero esta apartada hacia el fondo del bosque, para dejar paso a una bella joven ubicada a la derecha, vestida con un vestido de florado coronada de flores y esparciéndolas por el césped. tiene un rostro angelical apenas sonriente, mientras que a su lado otra joven de rasgos parecidos y pelo rubio, y por su boca salen también flores, las mismas que caen sobre la joven, vestida con una transparente túnica, que está siendo raptada por un joven alado que, con el ceño fruncido, sopla sobre ella. En el lado izquierdo de la composición, tres jóvenes rubias tienen las manos cogidas representando una danza. La que da la espalda mira a un joven que esta mirando hacia el cielo en la esquina de la izquierda. Este hombre esta armado con una espada y con una vara en la que se enroscan dos serpientes, y con un brazo aparta unas negras nubes que pretenden entrar en este delicioso bosque. Por último, un niño alado sobrevuela, con los ojos tapados y armado con arco y flecha, la figura central. La figura central es la diosa Venus que se aparta para dejar pasar a Flora, diosa de la Primavera. La joven de vestido transparente que aparece a su lado es Cloris perseguida por el Céfiro quien, con su aliento transforma a la ninfa en Primavera. En el lado izquierdo, las tres rubias bellezas son las tres Gracias y el joven guerrero es Hermes-Mercurio que con su caduceo aparta las nubes. En su roja túnica vemos llamas doradas. Por último, Cupido-Amor, a pesar de su ceguera, lanza, con absoluta seguridad, su flecha a la Gracia que, de espaldas a nosotros, mira a Mercurio.

   He elegido esta obra porque me llama mucho la atención como se representa la figura femenina, y como dentro de un cuadro podemos ver varias escenas individuales, pero que de alguna forma todas acaban unidas en la obra. también la he escogido porque me llama mucho la mitología tema principal de la pintura. Me gusta la forma en la que juega con las trasparencias en la figura de las 3 mujeres bailando ya que me parece, a parte de bello, una técnica muy difícil, y el pintor lo ha logrado. También lo escogí porque Botticelli tiene una forma única de pintar y de expresar, algo que creo que llega mucho al espectador, y a mi, en concreto, me llama la atención. 

3.VALOR ARTÍSTICO DE LA OBRA

   En la obra el autor destaca mucho los detalles que el autor considera como bellos, haciendo de la obra una explosión de sensaciones. Podemos ver una gran cantidad de flores pintadas, acianos, nomeolvides, anémonas, dientes de león, verónicas, margaritas, borrajas y lirios. Pero, de entre ellas las que son más representadas y adquieren un papel más significativo son las rosas. La rosa estaba asociada a Venus, desde la antigüedad. Según una leyenda griega el primer rosal nació de la tierra en el momento en el que Venus surgió del mar. Dada su asociación con el amor y la belleza, era también una flor festiva, y se esparcía durante las celebraciones, tanto religiosas como seculares, que tenían lugar en Italia durante el mes de Mayo. Este cuadro es una de las primeras obras de Botticelli de carácter mitológico. La originalidad de Botticelli consistió en representar a los personajes mitológicos griegos realizando acciones cotidianas, no mitológicas y también en agregar elementos alegóricos que se referían a los mecenas a quienes iban destinadas las obras.

   Botticelli subraya que la dirección de los ropajes de Cloris deben moverse según sopla el viento que produce Céfiro, contraria a la dirección con la que se mueven el resto de los ropajes de Flora y las Tres Gracias. A través de este detalle el artista pretende situar a Céfiro y a Cloris en un momento temporal distinto al del resto de personajes del cuadro. Destacó por un original modo de representar la realidad y al cuerpo humano, pero todavía  estaba ligado, en algunos aspectos, a la estética y moda del gótico internacional, como es la tendencia a crear efectos ondulantes en las posturas, cabellos, ropajes, anatomía estilizada, perspectiva irreal etc., pero el carácter clásico es el estilo predominante en esta obra y se muestra en el tratamiento de la anatomía, la elegancia, y cierto realismo en los rostros.

   Según la simbología del cuadro y una serie de documentos se acredita que el cuadro estaba destinado a la familia Médicis, y que este se realizó para el matrimonio, en 1482, entre Lorenzo Pierfrancesco y Semiramide Apiani. Semiramide  era hija de Jacobo III d’Appiano, propietario de las minas de Elba. Siente especial interés en representar los sentimientos. Su interés es el de mostrar el movimiento elegante, la sorpresa, la sensualidad, mostrándose despreocupado por otros valores que caracterizan al Renacimiento, como es el estudio de la perspectiva y el tratamiento realista  del paisaje.